La suite présidentielle.

Le Sofitel Wanda, situé sur les berges du fleuve Fu Nan, est en plein cœur de la ville, à 15 minutes à pied du principal centre commercial et à 20 minutes en voiture de l’aéroport international. La spacieuse salle de conférences a une capacité d’accueil de 500 personnes. Ce luxueux hôtels dispose de 4 restaurants (cuisine internationale, française, japonaise et régionale) et de 2 bars au confort chaleureux. Parmi les prestations haut de gamme, on trouve la piscine intérieure chauffée, le sauna, le spa et le centre de fitness. Le directeur en poste depuis 2009, Bertrand Courtois, a une grande expérience de la Chine – il était auparavant dans la ville de Harbin située au Nord-Est de la Chine.

Lorsque que l’on entre dans l’hôtel par le grand hall, on est accueilli par une jeune chinoise chargée des relations clients, Sophie Zhong, qui a fait une partie de ses études à Limoges (87) et qui maîtrise parfaitement la langue française.

Depuis le 4 juillet dernier, et pour une durée de neuf mois, Marie-Charlotte Julia, issue de l’institut Paul Bocuse de Lyon (69), effectue un stage de management au restaurant international. Cette dernière se dit ravie d’être en Chine: “Chengdu est une ville très agréable, je trouve que les habitants sont très accueillants et s’intéressent beaucoup à nous, c’est pour moi l’occasion de découvrir d’autres cultures tout en continuant ma formation hôtelière. ”

Une suite Jacques Chirac

Jacques Chirac, passionné par l’Asie, a séjourné en 2004 au Sofitel wanda de Chengdu alors qu’il était président. Il y a visiblement laissé un grand souvenir puisque une suite au 10 e étage porte son nom.

Si elles sont rares aux premières places des « 500 personnalités les plus influentes du monde arabe », les « plumes » et personnalités intellectuelles restent bien représentées dans le reste du classement. On retrouve des noms bien connus, comme Elias Khoury ou Amin Maalouf, et d’autres, poètes, intellectuels ou écrivains que l’on gagnera à connaître.

Des femmes écrivains à l’honneur

Plusieurs femmes se distinguent : parmi elles, notons en cette année de basculement du régime l’écrivaine égyptienne et militante féministe Nawal El Saadawi. Médecin et psychiatre de formation, El Saadawi aura lutté pendant toute sa carrière contre les abus domestiques, l’excision, et l’oppression des femmes dans les sociétés patriarcales. L’écrivaine, emprisonnée déjà sous Anouar El-Sadate, plusieurs fois menacée et interdite de publication, a été contrainte plusieurs années à l’exil aux Etats-Unis. Rentrée au pays depuis 1996, on l’a aperçue apporter son soutien aux manifestants de la place Tahrir dans les derniers jours du régime d’Hosni Moubarak.  L’activisme féministe parcourt également l’œuvre de la poétesse new-yorkaise  Suheir Hammad, fille de réfugiés palestiniens et élevée à Brooklyn. Au croisement entre  culture Hip Hip noire-américaine et  héritage palestinien, Hammad est une des figures populaires de la Troisième Vague Féministe. On trouve également dans le classement l’écrivaine saoudienne Rajaa Al Sanea, auteur de « Filles de Riyad » roman-blog sous la forme de 50 messages décrivant les mœurs souterraines de filles de la grande bourgeoisie saoudienne, prisonnières mais jamais soumises au carcan du puritanisme du Royaume. Le roman, interdit en Arabie Saoudite, s’échange sous le manteau, et connaît un succès retentissant sur internet. Rajaa Al Sanea exerce aujourd’hui sa profession de dentiste, à Chicago. Ahlam Mosteghanemi, auteure du très remarqué « Mémoires de la Chair », figure également dans ce classement.

Une scène littéraire et intellectuelle marquée par les conflits politiques

La tradition des poètes et intellectuels levantins est également bien représentée : on retrouvera le doyen Souleiman Al Issa, qui aura traversé  au long de ses presque 90 ans d’existence toute l’histoire récente du Proche-Orient. Poète mais aussi militant politique, Al Issa aura lutté contre le Mandat français en Syrie, et en faveur des nationalismes arabes. Tensions politiques et conflits au Proche-Orient  font d’ailleurs toujours partie des thèmes littéraires favori des écrivains arabes : sont cités dans ce classement Raja Shehadeh, écrivain politique et juriste palestinien, promoteur de la solution des « Deux Etats » et l’intellectuel et écrivain libanais Elias Khoury, ancien membre du Fatah, supporter passionné de la cause palestinienne et compagnon de route du grand poète Mahmoud Darwich. Comme toute une génération d’écrivains libanais, l’œuvre de Khoury aura été influencée par la guerre civile libanaise, et la réflexion sur les rapports à l’Autre dans un contexte de conflits et de tensions ethniques et religieuses quasi-permanent.

Cosmopolitisme des traditions littéraires

On est toujours frappés de constater le cosmopolitisme de la scène littéraire arabe : la plupart des auteurs présents dans ce classement auront abondamment circulé dans tout le monde arabe. La France constitue toujours une terre d’accueil littéraire pour les « exilés », ou les membres des diasporas de différents pays arabes. Parmi les personnalités résidant en France, on citera l’écrivain tunisien Habib Selmi, Adonis, un des plus grands poètes arabes vivants, et véritable pont entre les traditions littéraires orientales et françaises. Adonis aura exercé une influence majeure sur toute la poésie arabe dans la seconde moitié du XXe siècle. Enfin, citons l’écrivain libanais Amin Maalouf, Prix Goncourt 1993 pour « Le Rocher de Tanios », et résidant à Paris.



C’est une belle histoire, écrite par l’éditeur et bibliophile Franco-Maria Ricci, qui lui a légué ses initiales et ce jeu de mot « éphémère » en français. L’éditeur de Guido Crepax ou Umberto Eco, celui à qui Jorge Luis Borges fit l’honneur de diriger une collection de littérature, la « Bibliothèque de Babel », nous a ouvert tous les deux mois depuis 1982  les lieux d’art et d’histoire les plus magnifiques et secrets…  A chaque livraison, un écrivain d’envergure proposait une de ses œuvres. La qualité de l’objet, iconographies, papier…, en ont fait un objet de collection.

Hélas, alors qu’elle paraissait en Français depuis 1986, elle a fermé boutique en 2008. En effet, les éditions créées par Franco Maria Ricci en 1964, avaient été vendues en 2003 à Marinela Ferrari présidente du groupe italien officiant dans l’art contemporain, Art’e’, laquelle a décidé de dissoudre la filiale française.

Dans le sillage assumé avec FMR, une nouvelle revue, Le Monde de l’Art, vient de paraître en France à partir de l’automne 2010. Elle a d’ailleurs présenté en bonne place une longue interview avec Franco-Maria Ricci, prétexte à la découverte des œuvres de cet incroyable collectionneur. L’éditeur Patrick Mauriès y signe d’ailleurs un hommage sincère à la revue : « sous son vernis d’esthétisme un peu trop brillant (« la plus belle revue du monde »), sous ses dehors vaguement dandys, FMR menait une action profondément militante, éclairant, exhumant, réhabilitant ce que le temps, la paresse ou l’incurie avaient contribué à offusquer ; trop conscient aussi des limites artificielles qu’imposent les cultures nationales, et de la dérive des œuvres et des valeurs dans l’histoire ».

Franco Maria Ricci et Guillaume de Sardes

Le directeur de la rédaction, l’écrivain Guillaume de Sardes, nous propose une revue bimestrielle luxueuse, avec l’objectif d’ouvrir à l’amateur d’art les plus belles collections privées. Après le palais Sursock à Beyrouth, c’est donc celle de Franco Maria Ricci qui a été à l’honneur dans le numéro 2. Comme pour FMR, le monde des Lettres est invité à s’exprimer dans la revue, et l’on retrouve des plumes que l’on aime lire, comme  Dominique Fernandez, Renaud Camus, Jean-Paul Enthoven, Eric Chevillard, Elisabeth Barillé. Les sujets apportent une variété des points de vue et de centres d’intérêt, sorte de promenade dans les belles choses d’hier ou d’aujourd’hui, puisque l’on passe d’une visite du château de Montegeoffroy à la découverte des photos de Kourtney Roy, en passant par un essai sur la vie au XVIIIe siècle par l’historien Philippe Salvadori ou une analyse d’Avigdor Arikha par Jean Clair… Le numéro 2, paru en février, nous invite de même à un cheminement, qui s’arrête sur de superbes photos des ruines de Tomaso Buzzi ou de Sam Guelimi, et sillonne entre l’atelier d’Ernest Pignon-Ernest et un essai sur le plagiat par Jean-Pierre Cuzin…

A qui s’adresse donc la revue ? Certes aux happy fews, capables de goûter en collectionneurs et esthètes ces échappées sur ces mondes de l’art. Mais aussi à ceux qui se sentent frustrés qu’il n’existe pas de revue capable de donner un regard synthétique sur l’état de la vie culturelle la plus raffinée. Et enfin, à tous les collectionneurs, obsessionnels ou fanatiques des objets d’art comme plus éclectiques, ceux qui ont plaisir à découvrir des objets ou des œuvres rares et souvent secrets : c’est à cette dernière catégorie que j’appartiens…

Le musée du Louvre présente pour la première fois en France une exposition consacrée au sculpteur allemand Messerschmidt, actif à Vienne et Bratislava au XVIIIe siècle, auteur de portraits de cour et d’intellectuels mais aussi de têtes violemment expressives, à l’étrangeté fascinante dont l’audace séduit le public contemporain.

L’Homme qui bâille. 1771-1781. Etain. Budapest, Szépművészeti Múzeum © Szépművészeti Múzeum, Budapest

« Au nombre des sculptures les plus impressionnantes de la fin du XVIIIe siècle figurent sans aucun doute les œuvres de Messerschmidt , connues sous le nom de « têtes de caractère ». Il s’agit d’une collection de bustes en métal ou en albâtre où l’expression est marquante, difficile à interpréter, et qui exerce sur le spectateur une fascination à laquelle il ne lui est pas facile de se soustraire. Ces têtes irritent et interpellent tout à la fois, et ne permettent pas de deviner la « véritable » intention de l’artiste ». Extrait du catalogue d’exposition, Maria Pötzl-Malikova.

Riche d’une trentaine d’oeuvres, dont la tête acquise par le Louvre en 2005, l’exposition rassemble des prêts exceptionnels qui permettent de montrer au mieux l’évolution du style de Messerschmidt et de souligner son esthétique.

Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783) commence une brillante carrière de sculpteur à Vienne en 1757 où il réalise les portraits de la famille régnante, notamment ceux de l’impératrice Marie-Thérèse et du futur empereur Joseph II. Ces sculptures sont encore dans la tradition baroque. C’est peu après son retour d’Italie que son style évolue vers le néoclassicisme.

L’Homme qui pleure comme un enfant,1771-1783. Alliage d’étain et de plomb. Budapest, Szépművészeti Múzeum, 51.936 © Budapest, Szépművészeti Múzeum

Messerschmidt est un artiste entier, excentrique et peu après ses années de gloire en 1969-1970, s’opère une rupture à partir de 1771, période à laquelle il commence sa série de « têtes ». Le sculpteur s’isole peu à peu tandis qu’il entretient des relations de plus en plus difficiles avec ses pairs et ses commanditaires.

En 1774, lorsque l’Académie de Vienne lui refuse la chaire de sculpture pour cause de « troubles cérébraux », celui-ci décide de quitter définitivement Vienne. Il s’installe à Presbourg (actuelle Bratislava) à partir de 1777, où il se consacre de plus en plus à l’exécution de cette exceptionnelle série de « têtes ».

« Les rares écrits de Messerschmidt parlant de ses têtes ne les qualifient pas : il s’agit pour lui de « Kopfstücke » (têtes). L’appellation « têtes de caractère » (Charakterköpfe) est retrouvée dans brochure servant de livret à la première exposition publique des sculptures en 1793, soit dix ans après la mort de l’artiste. Les titres des œuvres y sont également inventés, « ceux-ci, grotesques et faux, tous apocryphes, n’ont été conservés que par commodité. » (1)

On trouva 69 sculptures après son décès : aucune de celles-ci n’avait été vendue de son vivant. Le sculpteur en exécutant ses têtes, poursuivait un dessein personnel sans but lucratif : l’expression concrète et absolument nécessaire d’un monde intime.

Le témoignage d’un éminent visiteur en 1781, l’écrivain des Lumières berlinoises Friedrich Nicolai, offre les premières interprétations de son art et de sa personnalité. Selon Nicolai, l’artiste se disait persécuté par des esprits qui le faisaient souffrir moralement et physiquement, notamment dans le bas ventre et les cuisses. Il se regardait dans un miroir, se pinçait le corps en faisant diverses grimaces. Avec celles-ci il entendait changer les expressions de son visage de manière à devenir maître de l’esprit des proportions qui le tourmentait. Il reproduisait ensuite avec ses têtes ce visage déformé.  » (2)

L’Homme au noble coeur, 1771-1775, Alliage d’étain et de plomb. Vienne, Belvedere, 2612 © Belvedere, Vienne

L’oeuvre de Messerschmidt suscite encore aujourd’hui l’étonnement et continue d’influencer les artistes contemporains. Aussi le musée du Louvre, présente-t-il, en contrepoint de l’exposition, des sculptures du grand artiste contemporain Tony Cragg.

Vous rêvez d’entendre ces quatre heures de musique ponctuées d’airs plus ou moins admirables et vous voilà sans billet, lequel, de toute façon, serait trop cher ?

Une solution, le cinéma : en effet, pour assister à cette production de « Jules Cesar » à l’Opéra de Paris, il fallait, ou bien s’y être pris très longtemps à l’avance ou bien avoir un ami machiniste qui vous introduit dans les coulisses (et de toute façon, être parisien…)

Il faut dire que la production réunit tout ce qui peut faire courir un amateur d’art lyrique : la mise en scène de Laurent Pelly, dans la fosse un orchestre baroque
ad hoc (Le Concert d’Astrée) dirigé par Emmanuelle Haïm, et surtout, la présence de Natalie Dessay faisant ses « premiers pas » dans le rôle de Cléopâtre et qui vient d’enregistrer un disque des airs de Cléopâtre.

L’Opéra de Paris s’est associé avec UGC pour proposer un de ses spectacles lyriques en direct sur grand écran. Dès le début de la saison 2010, l’institution avait inauguré ce terrain en diffusant au cinéma, cette fois-ci avec Ciel Ecran, une partie de la programmation de ses spectacles de danse.

Les « balletomaniaques » pourront d’ailleurs voir au cinéma le 8 février un spectacle de Nicolas Le Riche, « Caligula » (décidément, l’Opéra de Paris donne dans les empereurs romains).

Une voie ouverte par New York

Pour mémoire, rappelons que c’est le Metropolitan Opera de New York qui, le premier, est sorti du cadre pour prendre en 2006 le chemin des salles obscures.

En avril 2008, en direct de New York, la « Bohème » de Puccini et « La Fille du régiment » de Donizetti (avec la même Natalie Dessay) inauguraient en France cette nouvelle manière de diffuser l’opéra. Puis la Scala de Milan et l’Opéra Comique à Paris (« Carmen » de Bizet en juin 2009) ont suivi la voie new yorkaise.

La vraie bonne nouvelle dans tout ça, celle dont personne n’ose parler ? Plus besoin d’attendre l’entracte pour manger un esquimau !

►Réservation des billets sur ugc.fr dès maintenant jusqu’à 30 minutes avant le début de la représentation et fnac.com jusqu’au 2 février 2011 (dans la limite des places disponibles).

►Captation réalisée par François Roussillon en coproduction avec l’Opéra national de Paris et François Roussillon et Associés, avec la participation de France Télévisions et Mezzo.

►Opéra de Paris, Palais Garnier. Représentations les 20, 23, 27, 29 février et les 1, 4, 7, 10, 12, 14 et 17 mars. 19 heures. Location : 08 92 89 90 90 ou au +33 1 71 25 24 23 depuis l’étranger.

Liste des salles :
UGC Normandie, UGC Ciné Cité Bercy , UGC Montparnasse, UGC Ciné Cité La Défense, UGC Ciné Cité SQY Ouest, UGC Ciné Cité Rosny, UGC Ciné Cité Créteil, UGC Ciné Cité Bordeaux, UGC Ciné Cité Nantes-Atlantis, UGC Ciné Cité Rouen, UGC Ciné Cité Caen-Mondeville, UGC Ciné Cité Lille, UGC Ciné Cité Ludres, UGC Ciné Cité Strasbourg-Etoile, UGC Ciné Cité Lyon

Sofia Coppola: « »Somewhere », un état de suspension existentielle!»

http://next.liberation.fr/cinema/01012311368-sofia-coppola-somewhere-un-etat-de-suspension-existentielle

A quelques jours de la fermeture de l’exposition de tous les records, le Grand Palais lance son opération « Quatre jours, trois nuits non-stop » (de vendredi matin à lundi soir 21h) et n’espère pas moins de 65 000 personnes. Seule la moitié des places sont sur réservation, ce qui laisse sa chance à tous ceux qui n’ont encore rien prévu. La Rmn, organisatrice de l’événement, informe que si le temps d’attente peut être de deux à trois heures vers minuit, il tombe à un quart d’heure entre 3h et 4h30 du matin et encore plus particulièrement dans la nuit de dimanche à lundi de 2h à 5h du matin . Avis aux amateurs ! Plus de 845 000 personnes ont déjà parcouru cette rétrospective de 170 toiles du maitre impressionniste et la Rmn envisage d’atteindre la fréquentation record de 910 000 visiteurs à la fin de l’exposition.

Retour sur une exposition hors-norme.

Sylvie Patin © Isabelle Lassalle / RF

Du 22 septembre 2010 au 24 janvier 2011, les galeries nationales du Grand Palais à Paris abriteront une grande rétrospective de Claude Monet retraçant les quelque soixante années pendant lesquelles l’un des fondateurs de l’impressionnisme s’est attaché à peindre sans relâche, posant ainsi l’un des fondements de l’art moderne. C’est l’événement très attendu de cette rentrée avec près de deux cents œuvres de l’artiste auquel aucune exposition monographique n’avait été consacrée depuis trente ans, période pendant laquelle le peintre a été l’objet de nombreuses recherches et c’est justement ces aspects moins connus de son œuvre que le Grand Palais se propose de mettre en lumière.

Le Bord de la mer à Honfleur, 1864-1866
Los Angeles, Los Angeles Country Museum of Art

Le peintre du paysage

Ses maîtres, Eugène Boudin puis le peintre hollandais Johan Jongkind, l’aident progressivement à aiguiser son œil et l’initient à une nouvelle pratique, la peinture en plein air rendue possible par les évolutions techniques (en particulier l’invention des tubes de peinture, facilement transportables). Claude Monet choisit alors des sujets plutôt traditionnels tels que la campagne, les forêts et les plages mais aussi des marines et des « effets de neige ». Arrivé à Paris dans les années 1870, il peindra des paysages de la banlieue (en particulier du côté d’Argenteuil) et des bords de Seine particulièrement lumineux et colorés qui permettent la pleine expression de sa méthode par touches de peinture multiples. Cette technique des impressionnistes transforme le tableau en palette du peintre et donne à l’oeil le travail d’ajustement entre deux taches de couleur.

Fragments du Déjeuner sur l’herbe, 1865
Paris, musée d’Orsay

Dans les années 1880, il effectue de nombreux déplacements dans le nord de la France et en Normandie mais aussi sur la côte méditerranéenne, à Belle-Ile ou encore en Creuse, multipliant par la même occasion les sujets de ses toiles, les lumières et les atmosphères. Claude Monet s’affirme comme un peintre de paysage mais s’illustre également dans la peinture de figures et de natures mortes. Dans des œuvres telles que Le déjeuner sur l’herbe ou Femmes au jardin, il cumule les difficultés avec le défi du plein air. Ces tableaux, conservés au musée du Quai d’Orsay dont ils ne sortent jamais, seront exceptionnellement exposés aux côtés de scènes d’intérieur et de plein air de la même période qui proviennent de l’étranger dont beaucoup de collections privées.

Le Bassin aux nymphéas, 1899
Londres, The National Gallery

Nuances et lumières

A partir des années 1890, la lumière et la couleur l’emportent sur les formes et contours. Figures et portraits sont plus souvent suggérés que détaillés, la même impression de flouté entoure les natures mortes. Claude Monet est âgé de cinquante ans, il crée son fameux jardin dans la propriété de Giverny et recentre ses espaces de travail à la campagne avoisinante. Il s’attache à quelques modèles qu’il reproduit un grand nombre de fois en explorant toutes les variations de couleurs et de lumières suivant les heures de la journée et les journées en fonction des saisons.

Vue d’ensemble de la section retour à Londres

Ces répétitions d’un même motif signent un aspect très connu de la peinture de Claude Monet, ce que l’on sait moins et que l’exposition met en avant, c’est que le peintre a aussi fait appel à d’autres méthodes comme la mémoire ou le rêve pour retrouver une impression perçue. Les Grandes décorations de Nymphéas marquent un tournant dans la carrière du peintre et un aboutissement d’années de recherches dans la peinture dite décorative qui apparaît à l’époque comme une promesse de renouveau. Dès lors, Claude Monet trace sa propre empreinte en conciliant des peintures de paysages et son univers propre, plus poétique.

L’exposition propose à la fois les œuvres très célèbres de Claude Monet et d’autres, beaucoup moins connues pour constituer un ensemble de près de deux cents tableaux. L’aspect inédit et exceptionnel des œuvres présentées devrait mobiliser les foules et allonger les files d’attente à l’entrée du musée. Plus de 80 000 billets ont déjà été vendus via le site internet avant même l’ouverture de l’exposition et les organisateurs n’attendent pas moins de 500 000 visiteurs.

Ariane de Rothschild, partenaire de l'école Boulle

Par nature, les écoles d’art et lieux d’enseignement où le style de demain s’invente constituent des foyers d’engagement déterminants pour les activités de mécénat.

En France, du fait de l’emprise très forte du système public sur les structures de formation, ces partenariats ont tardé à s’élaborer. Mais face à la concurrence d’établissements européens mieux financés, il devient indispensable à nos lieux d’excellence de s’ouvrir au secteur privé pour maintenir leur attractivité. Réciproquement, les entreprises qui s’engagent dans le financement ou l’apport de compétences à destination de ces établissements jouent pleinement leur rôle social, et en tirent, à moyen-terme, des bénéfices d’image, de qualification de personnel, de préservation de leur patrimoine immatériel, très au-delà des faveurs fiscales qui peuvent les y inciter ponctuellement.

Témoin de cette évolution, la célèbre école Boulle qui a traversé le XXème siècle en défendant l’excellence de l’artisanat français. Née en 1886, et par là contemporaine de la révolution industrielle, elle demeure le creuset ou s’élaborent de nouveaux savoir-faire nourris de l’expérience de gestes séculaires. Cette cohabitation de tous les instants du ciseau à bois et de l’ordinateur, de la terre glaise et des polymères les plus sophistiqués, qui ne manque pas de surprendre le visiteur enfermé dans l’image d’Epinal de la commode portant le nom d’André-Charles Boulle, suppose une ouverture géographique comme économique toujours en renouvellement. Cette excellence a su convaincre partenaires et mécènes de s’engager au service de sa transmission et son développement. Ainsi les maisons Dior, Givenchy, Guerlain, la marque Veuve Cliquot Ponsardin apportent-elles leur dynamique aux enseignements. Ainsi une personnalité comme Ariane de Rothschild finance-t-elle, à travers les fondations Edmond et Benjamin de Rothschild, les voyages pédagogiques essentiels à la maturation des jeunes talents.

Souhaitons que cette vitrine de la tradition et de l’innovation française soit bientôt suivie par d’autres écoles, par des universités, et pourquoi pas ? par les collèges et lycées de la si frileuse éducation nationale !